油画作品中人物形象的内在精神表达

摘 要：人是万物之灵，是自然界中的最高级动物，具有社会属性，有着极为复杂的情感变化和心理活动，时时刻刻与这个世界发生着联系，包括人与环境、人与人、乃至人与人之间心灵上的沟通与交流。早在古罗马时期的庞贝壁画中已经出现了具体的人物肖像画作品，由此可以看出人类自古以来就不缺乏对自己的认识和描绘，“人物”也是许多画家热衷于描绘的重要题材，因此，人物油画及其内在精神的表达具有重要的研究意义和独特的审美价值。着重分析具有代表性的艺术家及其代表作品，对比中西方人物画以及经典绘画理论进行举例论证，再就“油画中人物形象的内在精神”这一主题展开具体阐述。

關键词：内在精神；绘画语言；人物形象

油画源自西方14世纪文艺复兴时期，世界格局的变化使得人的主体意识逐渐显现出来，描绘人，赞美人，讴歌人性之美，把人从神的禁锢中解放出来是艺术家们所承担的特殊使命和责任。油画人物都是冠之以神的平凡而普通的人的形象。画面中的人物既是艺术家对自己宗教信仰的崇敬，也是对自我存在价值的认知和审视。在此，笔者将从以下几个方面具体论述。

一、中西方人物画内在精神表达方式的异同

中国画与西洋画历史以来表现题材的重心大体上是相同的，均是以人物为主要线索，但就艺术精神而言两者却体现出很大的差异。中国人传统的宇宙观影响了其人生观进而决定了中国人的艺术观。其艺术精神是在于对生命的认识，绘画表现的价值在于揭示人的内在精神。被称为中国古代四大画家之一的东晋顾恺之曾经提出著名的传神论，系统地阐述了人物画中“形”与“神”的关系，将表现对象的神韵作为艺术追求的目标，从此对画面人物内在精神的揭示成为品评画作成功与否的重要标准。不仅要使画面活泼、生动，更重要的是符合中国人对自我的认知和内在精神的审美价值追求，这是中国艺术的基本内涵。

西方传统的宇宙观决定了其艺术发展的大体脉络。在西方美术历史上许多艺术大师就人物画的理解表现出了一种严谨而规范的态度：构成、比例、和谐都是画面中要考虑的重要因素。如，古希腊著名雕塑家波留克特列斯对人的全身比例做出范式，即身长与头长的比例为7∶1，显示出强烈的科学性。所以西方人对人物画的品评区别于中国人对人物内在精神的强调，而是要通过严格精准的外在形体刻画来传达主体对客体的认知与理解。这个时期的绘画可以说是科学在艺术上的反映与表现。再如，达·芬奇的代表作品《蒙娜丽莎》就是这个时期科学和艺术相结合最有力的佐证。作者使用庄严均衡的圣母式构图来呈现尘世女子，揭示了画中女性作为普通人的尊严。至此以后在欧洲绘画中“人”的社会地位开始不断上升，人物肖像画、人物场景画层出不穷。

二、油画人物形象的内在精神传达

（一）人物面部五官对其内在精神的表达作用

人的五官承载着一个人的情感变化，展示着其内心的喜怒哀乐。而在五官当中眼睛是心灵的窗口，是人物心理活动和内在精神最具表现力的感觉器官，中国古代画家顾恺之曾说，“四体妍蚩，无关神明，传神写照，尽在阿堵中”。即是说画家要想使画面达到传神的效果，重点在于对眼睛的描绘上，而对四肢的刻画所达到的传神效果与对眼睛刻画所达到的传神效果是无法比拟的。再回顾尼德兰画家杨·凡·艾克，他一直以来都被公认为油画的发明者，其作品《阿尔诺芬尼的婚礼》对人物面部细节的刻画尤其对眼睛描绘得惟妙惟肖，除了对人物刻画细腻之外，背景墙面上镜子同样是达到无与伦比的真实。由于受中世纪艺术的影响，画面人物的眼神略显僵硬，但是却传达出一种冷漠的高贵气质，一种沉寂而不失灵韵的美。

（二）主观色彩对人物形象及其内在精神的烘托作用

艺术是人类掌握世界的特殊方式，艺术家在艺术创作过程中根据个人艺术观念和审美理想对客体进行主观处理，以符合主体对客体的个性化认知。艺术创作是客观与主观的统一，中国唐代画家张璪所言“外师造化，中得心源”即是这个道理。对主观色彩的大胆运用在一定程度上渲染了刻画对象的人物内在精神，强化了画面的表现力。如油画《红烛颂》，此画的作者闻立鹏所刻画的英雄正是其父亲闻一多先生，主人公的伟人形象和革命勇士气魄在作者笔下诗意般地呈现出来，在万支红烛的照耀中显得正义凛然，威武不屈。红色代表血性，和画面主人公的英雄气概完整融汇在一起，大面积的红与蓝的撞色形成了一动一静、一实一虚、一暖一冷的强烈对比，红烛与烈火之间构成了一个悲剧性的历史场面，把色彩语言的魅力发挥到一个新的高度。作者通过运用强烈的主观色彩和个性化的绘画语言，饱满地塑造了人物形象及其内在精神。

三、人物油画体现的时代性和现实性

人物油画是人类审美意识的物化，也是人类社会意识形态的外在表现。伟大的艺术作品源于对人、对生活的关注。我们之所以评价一幅油画作品是好的、是美的、是能打动人的，是因为好的油画作品展示给观者的不仅仅是画家精湛的技艺，更为重要的是画家是否具有自己独特的审美意识和绘画语言并以此去搭建与观者之间共鸣的桥梁；观者通过自我经验去思考、感悟，进而延伸到一个群体、一个国家乃至一个民族，揭示其普遍存在的精神状态。作为人类社会意识形态，其在一定的历史时期是对该历史阶段的社会存在的反映，因此说，人物油画作品具备时代性和现实性，有着时代烙印。

20世纪六七十年代中国社会主义建设道路的重心发生了严重偏差，“文化大革命”应运而生。在此期间，艺术也明显向政治倾斜，尤其是油画，赞美伟人、描绘红卫兵、展现个人政治立场的美术作品独占主流，“高大全”“红光亮”成为人物画的固定范式。然而，艺术是人类思想意识的外在物化，会伴随着社会意识形态的改变而改变。经历过“文革”洗礼后的艺术家们通过反思，对艺术开始重新审视，并再次意识到生命个体的价值和尊严，逐渐地有些美术作品开始从原来的理想主义、英雄主义转向悲情现实主义和平民主义，从表现伟人、塑造典型转变为对社会人文生态与现实的描绘。文革后期伤痕美术则成为体现人物画时代性、现实性特征的典型。

政治、社会形态的转变会促进审美意识的转变，在此期间艺术冲破原有单一现实虚假再现模式，将现代艺术语言和观念纳入其中。改革开放后成长起来了一批以罗中立、高小华、何多苓为代表的伤痕艺术家。以有“最具诗人气质的油画家”之称何多苓及其代表作品为例，1982年由他创作的《春风已经苏醒》引起社会的广泛关注，他用扎实的写实手法并结合美国画家安德鲁·怀斯作品中伤感、细腻、唯美的画面气氛表现了自己对绘画的重新诠释，充满了人道主义精神，成为残酷政治运动之后艺术界的流行样式。在此幅作品中作者结合自己“文革”时期的亲身经历以一种伤感的意味开启了中国乡土写实主义绘画的另一條途径，即对人和人的生命、情感、人性的理解、认识以及描绘，打动了无数观众，深刻体现出强烈的时代性和现实性。

四、结语

艺术是人类的精神食粮，油画作为艺术的重要组成部分自文艺复兴时期诞生以来，在全世界范围内蓬勃发展，油画人物更是其中一种不可或缺的表现题材和艺术形式。油画的本土化在中国经过诸多挫折，最终形成了以传统写实、意象表现和当代前卫为主的格局。就现代中国美术发展状况来看，意象表现油画和当代前卫油画在国内油画界表现活跃，尤其是当代前卫油画给中国油画注入新的血液并且逐渐显现出强大的生命力，形成了以张晓刚、岳敏君、方力钧等为代表的当代艺术家群。意象油画与当代前卫油画在人物内在精神的揭示上也展现了新的艺术活力，而具有本土文化意喻的“意象”则是中国艺术“妙在似与不似之间”的结构形式的体现。

中国是有着厚重文化底蕴的文明古国，以博大的胸襟接纳外来文化，并根植于本国文化的土壤加以创新、传承，使其开枝散叶是中国历史上文化融合的辉煌篇章。佛教艺术如此，油画也不例外。作为外来文化的油画在经历了与中国文化相斥和融合之后，发展为具有中国特色的、本土的艺术样式，并逐渐走向世界。

参考文献：

[1]黄宗贤.中国美术史纲要[M].重庆：西南师范大学出版社，2013.

[2]陈洛珈.外国美术史[M].重庆：西南师范大学出版社，2013.

[3]孙美兰.艺术概论[M].北京：高等教育出版社，2008.

[4]刘淳.中国油画史[M].北京：中国青年出版社，2005.

作者单位：

四川省服装艺术学校

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